Yoshi Sodeoka es un artista y músico multimedia nacido en Japón, famoso por su trabajo innovador en vídeos, GIF, medios impresos y NFT. Formado como pintor al óleo desde los cinco años y como guitarrista desde los trece, Sodeoka combina raíces artísticas tradicionales con medios digitales de vanguardia. Radicado en Nueva York desde que se mudó en la década de 1990 desde Yokohama, Japón, y estudió en el Pratt Institute, su arte refleja una estética neopsicodélica inspirada en el punk, el steel y la música experimental.
Reconocida por integrar retroalimentación de video, imágenes encontradas y paisajes sonoros originales, Sodeoka también se ha convertido en pionera en el espacio NFT, con proyectos que exploran temas de sistemas orgánicos, entornos virtuales y diseño algorítmico. Su trabajo ha aparecido en colaboraciones con íconos musicales como Metallica y Tame Impala, publicaciones líderes como The New York Instances y Wired, y campañas para Nike y Apple. Expuesto a nivel mundial en lugares como el Centro Pompidou y SFMOMA, Sodeoka continúa traspasando los límites del arte digital y contemporáneo.
Sodeoka debutará en MakersPlace en Miami Digital Artwork Truthful 2024 con su serie Spectral Null.
Brady Walker: ¿Podrías empezar contándome un poco sobre ti y tu trayectoria como artista?
Yoshi Sodeoka: Soy un videoartista que vive en Nueva York. Crecí en Yokohama, Japón, y me mudé a Nueva York en los años 90 para asistir al Instituto Pratt, donde estudié arte. He estado viviendo y trabajando aquí desde entonces.
BW: ¿Cómo fue el proceso de ganarse la vida como videoartista experimental antes de los NFT e incluso antes de Instagram y YouTube? ¿Cuáles eran sus puntos de distribución y cómo se ganaba la vida?
YS: He estado creando arte digital durante más de dos décadas, por lo que las NFT son relativamente nuevas para mí: son solo una fuente de ingresos adicional. Antes de las NFT, trabajaba de forma independiente o, a veces, con galerías de arte para vender impresiones. La colaboración siempre ha sido una gran parte de mi práctica y he aceptado encargos a lo largo de los años. He dirigido movies musicales para bandas como Tame Impala, Metallica y Max Cooper. Afortunadamente, estos proyectos no eran trabajos típicos de clientes; se acercaron a mí debido a mi trabajo como videoartista, por lo que tuve la libertad creativa para hacer lo que quería.
Además de vídeos musicales, he creado animaciones editoriales para publicaciones como The New York Instances, MIT Expertise Assessment y Wired. Estos proyectos se sienten como una extensión de mi práctica artística más que como un trabajo comercial.
BW: ¿Recuerdas el momento en que viste por primera vez una obra de videoarte y pensaste: “Eso es todo. ¿Eso es lo que estoy haciendo ahora”?
YS: No estoy seguro de poder señalar solo uno. Pero todavía recuerdo haber visto Colourful Colorado de Phil Morton y me encantó mucho.
BW: Has hecho referencia a Aphex Twin como una influencia. ¿Qué papel juega la música en tu visión y proceso creativo?
YS: Me encanta la música de Aphex Twin, pero lo que más me inspira es su enfoque como artista. Tiene esta habilidad única para crear un trabajo que es altamente experimental pero emocionalmente atractivo: un equilibrio poco común. El arte y la música experimentales a menudo tienden a ser intencionalmente incomprensibles, lo cual también disfruto. Pero Aphex Twin logra un equilibrio entre complejidad y accesibilidad, y eso es algo por lo que me esfuerzo en mi videoarte.
BW: Están sucediendo muchas cosas en The Swarm. Parece una demostración científica de patrones en la naturaleza, pero el mundo representado es synthetic. ¿Abordaste esto como una sátira de la creación de significado?
YS: ¡Esa es una perspectiva interesante! No lo consideré una sátira. Para mí, es más un comentario sobre la cultura mediática precise. A menudo no podemos decir si lo que vemos en línea o en los medios es actual o inventado. La IA es un tema candente en este contexto, pero Hollywood lleva años imitando la realidad.
En un nivel más amplio, me hace preguntarme: ¿y si toda la existencia humana no fuera actual? Algunas personas creen en la teoría de la simulación, donde la vida se compara con un videojuego. A veces también pienso en eso, pero al ultimate nunca lo sabremos.
BW: ¿Hiciste el audio de The Swarm? Es impresionante; lo escucharía solo.
YS: Sí, lo hice, como hago en la mayor parte de mi trabajo. He estado haciendo y tocando música toda mi vida.
Para The Swarm, creé el audio usando un generador de tonos easy dentro de After Results. Tiendo a crear video y audio simultáneamente, lo que ayuda a que todo se sienta integrado y cohesivo.
BW: ¿Cuál es tu pila de videoarte? ¿Qué herramientas y flujos de trabajo prefieres?
YS: Utilizo After Results para casi todo, incluso para hacer impresiones. Es una herramienta con la que me siento muy cómodo. También dedico mucho tiempo a corregir el shade de mis vídeos en After Results, una habilidad que adquirí mientras dirigía vídeos musicales.
BW: En el proyecto de la Secuencia de Fibonacci con Max Cooper, mencionó que “tenías un hermoso sistema que vinculaba la Secuencia de Fibonacci con el vuelo de los estorninos”. ¿Qué period ese sistema y cómo surgió?
YS: Construí un marco en After Results usando expresiones para animar la proporción áurea. Vinculé este sistema a bandadas de pájaros en el espacio 3D. Una vez que tuve el sistema en su lugar, la producción del video fue mucho más eficiente.
BW: Su vídeo para “Norrin Radd Dreaming” de Oliver Coates deja entrever su fascinación por los pájaros y el cielo como materiales estéticos. ¿Cómo lo creaste?
YS: Para ese vídeo, filmé varios clips en la ciudad de Nueva York usando mi iPhone. Los pájaros voladores son un elemento clave, pero también lo es la arquitectura de la ciudad. Deconstruí el metraje geométricamente y lo volví a montar para crear la pieza ultimate. Es una de mis obras favoritas.
BW: Muchas de tus obras de videoarte debutan en entornos inmersivos masivos. ¿Cómo concilias la naturaleza a gran escala de tu trabajo con las pequeñas pantallas del espacio digital on-line?
YS: Lo que ves en línea es principalmente documentación de las instalaciones inmersivas. Saber que la gente experimenta estas obras en los espacios reales es lo que más me importa.
Dicho esto, he notado un aumento en los movies de exhibiciones de arte ficticias generados por IA en Instagram. Estas no son exposiciones reales, pero son fascinantes como arte en sí mismas. Una vez más, surge la pregunta: ¿importa siquiera si algo es actual?
BW: ¿Qué te impulsó a crear The Flood y sus diversas versiones?
YS: The Flood evolucionó a partir de mi serie Swarm. Ambos exploran el comportamiento de los seres vivos en grandes grupos. Los sistemas que utilizo para crear estas piezas son bastante similares.
BW: ¿Alguna vez creaste bajo el nombre de C505?
YS: Sí, lo hice y todavía soy dueño de ese nombre de dominio.
BW: ¿Cuáles son las últimas novedades de Undervolt & Co.?
YS: Está en pausa. Se convirtió en demasiado trabajo para gestionarlo, así que lo puse en pausa hace más de cinco años.
BW: ¿Hay alguna banda o músico con el que dejarías todo para trabajar?
YS: Me siento increíblemente afortunado de haber trabajado con algunas de mis bandas favoritas, como Tame Impala, Max Cooper y Metallica. Fue increíble y no tengo una lista de músicos con los que colaborar. Simplemente me dejo llevar. Si se me acerca un artista con el que tengo vibras, lo consideraré. Por lo demás, me concentro en mis proyectos personales.
BW: ¿Quiénes son tus videoartistas favoritos, tanto vivos como muertos?
YS: Nam June Paik es una gran influencia. Aunque no soy estrictamente un videoartista, también admiro el trabajo de Christian Marclay.
BW: ¿Qué estás escuchando, leyendo y viendo estos días?
YS: He estado escuchando mucha música heavy—hardcore y heavy steel en todos sus subgéneros—así como música ambiental tranquila. ¡Nada en el medio! Normalmente no escucho música pop.