Look Highward es un artista nativo de IA que comenzó a explorar el arte visible a principios de 2020 durante el primer confinamiento por COVID. Con formación en filosofía y un interés de larga information por la tecnología, Look pasó de la escritura y el trabajo conceptual a la creación de arte digital complejo mediante IA y aprendizaje automático.
Su viaje hacia el arte de la IA comenzó con la experimentación con scripts de texto a imagen, lo que finalmente condujo a sus primeras obras en cadena en 2021. Como uno de los primeros en adoptar NFT y un coleccionista apasionado, Look Highward ha sido una figura activa en la comunidad del arte de la IA, ampliando los límites de cómo se puede utilizar el aprendizaje automático para expresar narrativas y emociones humanas.
En esta entrevista, Look Highward habla sobre su práctica creativa y ofrece información sobre cómo crea obras de arte complejas con inteligencia synthetic. Habla sobre la importancia de la experimentación en su técnica de inspiración, la influencia de los videojuegos y el arte surrealista en su trabajo y su visión de experiencias artísticas interactivas y descentralizadas.
BW: ¿Podrías comenzar contándome un poco sobre ti y tu trayectoria como artista?
LH: Por supuesto. Algo interesante de mi trayectoria es que soy una persona nativa tanto en el ámbito digital como en el de la inteligencia synthetic. No creé ninguna obra de arte visible significativa hasta que descubrí la inteligencia synthetic y el aprendizaje automático a principios de 2020. Durante el primer confinamiento por la COVID en el Reino Unido, tuve tiempo de explorar la inteligencia synthetic y utilizar scripts de texto a imagen para visualizar poemas.
Esos experimentos me llevaron a crear mis primeras obras en cadena, pero no las acuñé hasta finales de 2021. Antes de eso, había estado guardando ETH y leyendo sobre finanzas descentralizadas, extrañando los veranos de DeFi y NFT. Cuando finalmente comencé a acuñar, me obsesioné con el arte de IA y comencé a coleccionar, principalmente de otros artistas de IA. Me involucré con Mind Drops e hice mi primera gran compra secundaria: una pieza de Claire Silver por tres ETH, lo que fue un momento significativo para mí. Pensé que period una buena manera de mostrar compromiso con el espacio.
BW: ¿La poesía sigue siendo parte de tu práctica de conversión de texto a imagen?
LH: Definitivamente. Pienso en los mensajes como si fueran poemas. Mis mensajes suelen ser largos (a veces de un par de cientos de palabras) porque me gusta usar expresiones poéticas para expresar mis propias intenciones. A menudo incluyo cosas en los mensajes que no tienen un significado visible fijo para ver cómo las interpreta la IA. Para mí es un proceso de llamada y respuesta: poesía, curación visible y luego más poesía.
BW: La IA es un tema candente y los debates aumentan a medida que la tecnología avanza. ¿Por qué cree que es un medio necesario para la creación?
LH: No estoy segura de que cualquier medio sea necesario, pero una vez que existe un medio, tiene sentido explorar su potencial artístico. En el Día del Arte Digital, Anya de Operator dijo: “Un artista no debería perseguir la tecnología”, y estoy de acuerdo. El ritmo de la tecnología es abrumador y los artistas no deberían sentirse presionados a seguirle el ritmo.
Vale la pena explorar la IA porque transforma la forma en que creamos. Por primera vez, podemos construir concepts y significados fuera de nuestras propias mentes. Eso es lo que la hace revolucionaria. Es un desafío para muchos, pero ahora tenemos un proceso con el que podemos colaborar, aunque la IA no tenga su propia experiencia o conciencia. Aún puede generar significados que se relacionen con datos humanos de maneras que tal vez no hubiéramos imaginado.
BW: Hace poco hablé con Ivona Tau sobre cómo la IA permite conexiones que los humanos, con todo nuestro contexto, tal vez nunca haríamos. Es como acceder a una ingenuidad superpoderosa.
LH: Es un punto interesante. Yo también trato de hacer eso en mi vida, constantemente restableciendo mis expectativas y aprendiendo, una especie de “desaprendizaje” zen. La IA ayuda con eso al permitirte lanzar algo y ver qué sale a cambio. Es un equilibrio entre aceptar el caos y mantener cierta intención humana, pero evoluciona sobre la marcha.
BW: ¿Puedes darme más detalles sobre tu práctica de desaprendizaje? ¿Hasta qué punto está formalizada? ¿Hay algo que recomendarías para ayudar a otros artistas a vaciar sus mentes para crear?
LH: Mucho de esto se debe a mi educación. Mis padres eran aficionados a las filosofías orientales, así que estuve expuesto a ellas desde muy joven. Tuve algunas experiencias clave en mi juventud, incluidas algunas psicodélicas, pero no se las recomiendo a todo el mundo; es algo private.
El mejor consejo es easy: “Esté aquí y ahora”. Se trata de observar sus pensamientos y darse cuenta de que está en el hilo de sus pensamientos, pero no siempre los controla. Dar un paso atrás, incluso con algo tan easy como la respiración consciente, ayuda. Con solo concentrarse en su respiración durante 20 segundos puede cambiar su perspectiva y recordarle que no solo está definido por las estructuras que ha construido en su mente.
BW: ¿Puedes contarme la historia detrás de las piezas que realizaste para el Día del Arte Digital en Málaga y la venta benéfica de vino generativo?
LH: Por supuesto. Esta colección, Catedrales Irreales, es mi segunda colección en cadena. Se basa en mi primera, Chance Areas, tanto técnica como temáticamente.
Se trata de imágenes de alta definición, de unos 7000 por 11 000 píxeles, por lo que se pueden ampliar en profundidad. Se crean mediante un proceso de ampliación, que comienza con una imagen pequeña y se va iterando con nuevas indicaciones y configuraciones para duplicar el tamaño, conservando parte del authentic y añadiendo nuevas capas.
También experimenté más con indicaciones en esta colección, usando comodines para elementos como paletas de colores y matemáticas sagradas. Investigué paletas de colores, las agrupé y dejé que la indicación seleccionara una al azar. Esto me dio más management sobre el resultado sin predeterminarlo por completo.
La temática de la colección gira en torno a las catedrales y las experiencias numinosas. Algunas piezas representan catedrales, mientras que otras se centran en entornos que evocan una sensación de estados alterados. Incluso hay algunas figuras gigantes que no estaban previstas, pero que tuvieron eco, así que las incluí.
BW: ¿Cómo es el proceso de curación de esta serie?
LH: Empiezo con una pieza pequeña, aproximadamente una décima parte del tamaño remaining, y experimento con distintos escaladores y configuraciones. Pruebo distintas combinaciones (quizás 15 samplers y varios pasos) y luego elijo lo que resuena. No hay criterios estrictos, solo instinto.
Para este proyecto, generé miles de imágenes, las resequé y las perfeccioné mediante múltiples iteraciones. Había una limitación de tiempo, por lo que las piezas son un poco más pequeñas que en mi colección anterior, pero el proceso sigue siendo intenso y requiere muchos ajustes a lo largo del camino.
BW: Hablemos de Espacios de Posibilidad. ¿Puedes hablarme de esa serie?
LH: Este fue mi primer trabajo con imágenes fijas. Antes de eso, hacía piezas en video. Surgió de un proyecto en el que todavía estoy trabajando con un escultor que crea estatuas enormes. Estaba haciendo collages de IA para colocarlos dentro de estas formas huecas, lo que me llevó a experimentar con flujos de trabajo que pudieran crear imágenes grandes y detalladas.
Los primeros reinos estaban muy influenciados por El Bosco: surrealistas, detallados y humanos. Me encanta el arte glitch porque altera nuestras expectativas, y los “glitches” de la IA ayudan a reinterpretar formas familiares. La gente habla de que la IA se está acercando a la perfección, pero creo que los glitches son lo que la hace interesante. Son parte de cómo la IA reinterpreta a la humanidad.
BW: Mencionaste a El Bosco, pero también pensé en Pieter Bruegel el Viejo, conocido por incorporar muchas historias a su obra. ¿Intentaste hacer eso o fue más orgánico?
LH: No pensé en Bruegel específicamente (hay lagunas en mi historia del arte), pero la narrativa es importante para esta colección, especialmente porque a menudo utilizo poemas como punto de partida. La colección es un recuento de la historia humana, aunque hay algunos elementos de ciencia ficción, como naves espaciales.
Los elementos alienígenas no me llamaron tanto la atención como los centros comerciales, donde hay grupos naturales de personas, pero cuando haces zoom, suceden cosas extrañas. Es esa mezcla de lo acquainted y lo desconocido lo que me parece más interesante.
BW: He notado que algunas de tus piezas son más abstractas, mientras que otras tienen figuras humanas claras, casi ilustradas. ¿En qué pensabas mientras te movías entre estos extremos?
LH: Fue una thought abierta, pero siempre estuve explorando la historia humana de alguna forma. Algunos ámbitos son más abstractos, pero todos están ligados al significado humano. A medida que avanzaba el proyecto, fui perfeccionando mi enfoque y encontré formas de conseguir rostros más detallados, pero los temas centrales no cambiaron mucho.
También recurro a una mezcla de nombres de artistas, nunca solo uno o dos, sino más bien veinte. Esa superposición de influencias, junto con referencias a la ciencia ficción o incluso a personajes ficticios, desempeña un papel importante a la hora de dar forma al estilo de cada ámbito.
BW: ¿Qué más puedes compartir sobre tu proceso de inspiración?
LH: Recomiendo experimentar mucho y variar la duración de las indicaciones. Trabajar localmente te da más management. Puedes realizar experimentos con diferentes pasos, cambiar variables y ver qué funciona. No intento controlar las cosas demasiado, pero puedes hacerlo si quieres. Prueba cosas de las que no sabes el resultado: indicaciones abstractas o inesperadas. A veces, nos quedamos atascados repitiendo lo que hemos hecho antes, así que salir de tu cabeza puede ayudar.
BW: Esta podría ser mi pieza favorita. Es increíblemente detallada y me recuerda a la portada de Sgt. Pepper. ¿Qué está pasando en esta serie?
LH: Esta es de mi ámbito de cine negro. Tiene algunos de los rostros y poses más claramente definidos. Me inspiré en el período del cine negro, explorando la thought de un misterio de asesinato. Lo gracioso es que casi todo el mundo mira a la cámara con recelo, lo que contribuye a la atmósfera. Mi objetivo period capturar el espíritu del cine primitivo, no exactamente el amanecer del cine, pero cercano. La gente suele comparar el impacto de la IA con el de la fotografía en la pintura y, si bien esa comparación tiene sus límites, influyó en esta pieza.
BW: Esta última pieza parece un cambio de estilo con su vista isométrica. ¿Qué la inspiró?
LH: Sí, es un ángulo diferente. Las vistas isométricas suelen parecer más ordenadas, así que estaba yendo más allá de los límites. Siempre me han gustado los videojuegos y esta vista me resulta acquainted. Creo que la influencia de los videojuegos jugó un papel. Esta pieza es parte de una serie que incluye oficinas y galerías de arte isométricas. Había un tira y afloja entre los reinos mundanos y humanos (como los centros comerciales) y los reinos más imaginativos y divinos, como el plano astral. Esta pieza se encuentra en algún lugar intermedio.
BW: ¿Puedes explicarme cómo es tu flujo de trabajo diario?
LH: Mi flujo de trabajo no es diario. Me gustaría poder trabajar a tiempo completo, pero tengo hijos, así que suelo trabajar hasta tarde por la noche. Tengo un proyector para trabajos detallados y también tengo una minioficina con una pantalla grande y extremely ancha. Para la serie Cathedrals, roté la pantalla 90 grados, por lo que es como un teléfono gigante, ¡genial tanto para Twitter como para las catedrales!
Utilizo Visions of Chaos, que es un fantástico software program gratuito para PC. No es de código abierto, pero tiene un montón de scripts para todo, desde texto a imagen y vídeo. Es un poco complicado de configurar, pero una vez que está en funcionamiento, es increíble. También utilizo Auto 1111 para la mayor parte de mi trabajo. Hay muchas versiones, pero yo utilizo Stability Diffusion GUI. Una buena configuración cuesta unos miles de libras, pero te da mucho más management.
BW: ¿Tienes algún proyecto muy ambicioso que aún no hayas realizado?
LH: ¡Tengo demasiados! Compro un dominio cada vez que se me ocurre una thought que no estoy listo para ejecutar, así que tengo unos 20 dominios guardados en la estantería.
Por ahora, planeo centrarme menos en las colecciones de NFT y más en las experiencias: arte interactivo e inmersivo y sistemas colaborativos descentralizados. Quiero crear proyectos de prueba de concepto que la gente pueda usar, compartir o a los que pueda contribuir sin necesidad de gestionar un equipo.
Una thought que estoy explorando es un sistema en el que se pueda visualizar la Tierra. Se haría clic en un lugar y el sistema generaría concepts, contenido o imágenes impulsados por IA relacionados con el tema y el lugar. Las personas podrían agregar sus propias capas o lentes encima. Ese es el tipo de experiencia interactiva que me gustaría crear.
